• 著：David Gibson Maetro Curtis
  
• 译：Dewhills From iKnowMusic
  
• 校：Sing T From iKnowMusic

第二部分 音乐制作的商业相关

第2章：资金规划·人事规划·政策法规

音乐制作中与商业相关的内容一般被称为“行政事务”（ Administration）。它包含以下几个方面：规划支出、安排进程、预约录音棚、厘清音乐行业法规；在特定情况下，制作人也需要寻求项目的经济支持。虽然这个一般由执行制作人负责，但其实每个人都可能接触到这些任务——不仅是制作人，也可能包括录音工程师及乐队成员。再次强调一下，在这个行业领域，职位的划分从来不是一成不变的，角色会交换穿插。所以，不论您具体的职务是什么，都可以尝试着了解行政事务涉及的领域，以便指导共事伙伴与您齐心协作。每个人多了解一些这方面的知识，对制作项目来说不是坏事。有时制作人也可能会聘用一名制作行政协调助理（Production Coordinator）代他完成以上任务。正如前文所说，制作人最基础的任务是确保项目在预算的时间和资金内完满收尾，除此之外其余的工作可以找人代办，以减轻自己的负担。

经济预算·进程安排·人事安排

纵观整个项目制作流程，合理安排时间、金钱和人手是最重要的技能。一定要确保没有任何一丝疏忽，因为一个小失误就会导致一大笔损失。

创建制作项目费用支出规划表

一旦制作人得到唱片公司或投资人的预付款，就需要开始规划制作项目费用支出规划表（以下简称‘支出规划表’）、商议交付最后期限。如果您还在申请资金，那么您要知道，投资人在砸钱之前一定会问您要一张详细的支出规划表；如果您是向唱片公司申请资金，他们会审查该表以确保表格内容是合理的；如果是向独立唱片公司要钱，在前期您可能只能全靠自己，因为独立唱片的公司预算有限。

在启动任何一个制作项目之前，您必须规划并理清预算资金的支出用途；制作一张支出规划表可以帮您省下很多钱，从而将支出有效地控制在预算以内。一张合理的支出规划表还可以减轻同事们的紧张感，因为每个人都能知道自己的劳动会换成多少薪酬，多少会安心一些。正如Kashif（美国R&B歌手，歌曲写作及制作人）在他的畅销书<Everything You’d Better Know about the Record Industry>（《唱片行业知多少》）里写到的那样，“一张支出规划表就像一张清晰的地图，如果您在项目开始前能好好做个规划，就能更迅速、更快乐地到达目的地，而非跳进车里乱开一气，像个无头苍蝇。”

支出规划表应当精细到每个条目，要考虑到每一个参与进来的人。大致包含以下方面：各制作人及艺人的酬劳，录音棚的棚时（含母带处理），录音混音资费，参与合作的音乐人酬劳，实体磁带或CD的制作成本，设备租金，团队差旅费等。最好在可后续编辑计算的制表应用程序（如Microsoft Excel）内做好表格，这样做显而易见的好处就是可以通过这些软件直接对各项花费自动求和，并且查阅起来一目了然。表格1就是一份支出规划样表。

表格 1 制作费用支出规划样表

要完成上述表格，您必须在此前先做出一张进程安排表，包含录音、叠加录音、混音和母带处理的日程时间规划（我们会在下一节详细阐述），不过未必需要精确到日。随后，您会从唱片公司拿到他们估算的预付款，根据该款项的具体额度，您可以对支出计划表再做进一步调整。

通常，唱片公司会为录音与制作单独划分出对应的资金，剩余的部分则留给制作人自行分配。举个例子，假如唱片公司给出的预付金是15万美元，预算在录音和制作上的资金分别是8万和5万，那么可自由分配的资金则为2万美元（与乐队成员或者参与的音乐人进行分配）。不过，唱片公司同时拥有从利润中优先回填预付金的权利，这意味着直到公司从作品的销售额里收回成本以前，您会拿不到任何版税。据估计，有95的乐队从来没有还清过预付金，也就拿不到任何版税。

创建日程时间规划表

制作人需要制定详细的日程时间规划表，且必须督促团队在其规划的时间内完成任务。一张合理的日程时间规划表是制作项目顺畅进行下去的保证，因为只有这样，大家才能知道每天的工作内容。

首先，制作人应当定好制作的四个时期长度：制作前期准备、录音、混音和母带处理。

要规划日程时间，就要预先安排歌曲及乐器的录制顺序；这部分内容会在第五章《制作前期流程》中详述。之后，着手安排乐手的录制时间顺序，并预留好对应的录音棚的棚时。

表格2是一张典型的日程时间规划样表。在这张日程表中可以看到，我们还预留了机动时间；在乐器一栏，您可以看到各乐部每天的录制安排；在乐手一栏，需要标记乐手的姓名。这张表可以帮助您确定录音棚预定环节的细节，也可以帮助您识认乐队成员的名字。此外，最好记下和每位乐手上一次交谈的日期。

表格 2 日程时间规划样表

其他行政事务

如果您要从其他艺人的专辑内采样素材，不论素材长度长还是短，您都必须为其付款，一般来说这项花费最少需要2000美元。制作人应当联系采样源音频的版权所属公司、交付应缴款项；同时，如要邀请第三方艺人进行合作，需要归档保存好录音许可；最后，您需要向受雇的音乐人（包含乐手与音频工程师）里索要音频成品及分轨，并替唱片公司保存好这些文件。

争取资金支持

要找到这么一个“天使投资人”说难也难，说不难也不难。不论您是从谁的手里要钱，对方总会看被投人是否满足几条严苛的判断标准，这些标准包括：制作项目的观念和质量是否令人满意，您本人对制作项目有多自信，投入的热情有多深，是否合理地安排了制作项目的资源，等等。

如果您认真求索，其实有很多潜在的资金来源。从愿意借给您一小笔钱的朋友或亲戚，到正规的信贷机构；还有那些出于减税目的而投资小企业及小项目的“天使投资人”们。但话说回来，无论是谁借钱给您，他们都是期望能获得回报的。

启动资金可能来源于方方面面，虽说家人、朋友、粉丝，甚至艺人表演过的酒吧都可能愿意出钱支持制作项目，但最现实的道路依然还是前期先自掏腰包，并好好规划使用这笔自己积攒下来的资金。为了谈拢唱片代售合约或吸引更多投资，比较明智的做法是先做出3-4首demo。

想要更好地开源节流，制作人需要用心规划整个项目的支出方案。不论您是自掏腰包还是有别人资金支持，都应该提前做好调查研究、制作好支出规划表，以保证在后面的制作过程中明了工作流程与资金流向，可以大大节省您的管理精力，也有效防止资金浪费。而且，如果您提前做好这样一张清晰合理的支出规划表，拿到投资的机率也会大大提高。

此外，任何一种制作项目想要获取经济支持，都有赖于制作人和投资人之间良好的信任关系，而一张合理的支出规划表就是您的杀手锏之一，它可以让对方瞬间明了，制作人（您）正在做什么，而且如何在有限的资金支持下完成制作项目，这就是培养信任。如何制作这样一张让您赢得信任的计划书呢？它必须清晰详细——市场上有很多相关书籍，来帮助您制作商业计划书；网络上也有足够的相关知识。您只需输入“商业计划书”五个字，就能看到海量信息。请记住，如果看不到可靠的计划，没有人愿意投资任何项目。找一个投资人并摸清他们的期望并非像您想象的那么难。如果您知道有多少有钱人在等着投资一些小项目以获得减税的话，会被这个数量震惊。这也是我们这一行备受社交压力的原因：成功的关键，不在于您懂多少专业知识（并非指专业知识无用），而在于您认识谁。所以，请您关注身边的动态，在社交时不要矜持！或者您可以在网上搜索“天使投资人”，了解一下我所说的这个市场。
投资人可能来自各个阶层和文化圈。他们投资您，或者是看好项目可以给他们带去利润，或者是对投资的项目抱着某种情怀，或者坚信这个项目可以使一大批人获益。

如何与唱片公司打交道

在这个议题上，主流唱片公司和独立唱片公司是两个完全不同的战场，需要区别对待。

主流唱片公司（Majors）

除非您托关系、走后门，否则进入主流唱片公司担任制作几乎是不可能的。而且，进入主流厂牌就意味着放弃很多在独立唱片公司才可享受到的自由和乐趣（尤其是创作自由——有关这个话题，我们会在后面‘独立唱片公司’这一节中阐述）。当然，如果您顺利进入了主流唱片公司，且大获成功的话，回报也会相当可观——这正是许多人趋之若鹜的原因。

主流唱片公司，指的是一个签约了大量艺人的唱片集团。公司拥有不计其数的雇员，为此从底层到高层配备了大量的中层管理人员，分别负责多达32个部门的日常活动。包括供应（统筹）部、宣传部、市场部、制造部、影像部、艺人发展部、营销部、出版、审计、法务及行政部门等；还有专门负责掌控公司在业界的眼界、控制公司每天的运转的总监管部门，他们负责保证公司的整体盈利。毫无疑问，唱片公司的宗旨就是赚钱！不过即使进入主流唱片公司看起来难于登天，但只要您把自己的作品当成一件商品或货物来看（就像唱片公司看作品的目光一样）的话，或许您操控整个制作过程来会更自如。

成功的艺人都知道保持艺术创造力与把握商业性之间并不矛盾。毕竟我们在这里探讨的是您的音乐和您的未来，两者皆需可持续发展。做音乐当然可以是赚钱的好路子，所以打起精神、鼓起勇气，在音乐上绽放出自己的生命力！——如果您不这么做，那么唱片公司也很乐意全盘接管您的音乐生涯，从而拒绝您自己掌控。
大多数主流唱片公司在判断一张唱片是否有价值，会从如下标准进行考量：

• 艺人的人设形象是否过关（要有一定的独特性）；
  
• 歌曲是否动听；
  
• 艺人的音色和唱功是否优秀；
  
• 艺人天分和潜力是否足够（虽然前者未必是关键因素）；
  
• 人品是否可靠；
  
• 营销能否成功——也就是这张专辑能不能火！
  

为了能将利益最大化，主流唱片公司在艺人的包装宣传及培养等各个方面有时会投入上百万美元，而单从这一方面来说，独立唱片公司毫无竞争力。另一方面，因为主流唱片公司名下常常有成百上千的艺人在等着发片，其旗下艺人大多承受着新老洗牌或更迭的压力，最终迷失在唱片工业的洪流中。

我们在上个篇幅提到过，预支在音乐制作和宣传上的资金成本必须先回流到唱片公司手中，随后艺人才能拿到版税盈利；这个过程可能会长达2到3年之久，而如果公司不能回本，艺人想要拿到版税就是痴人说梦了。当然，如果唱片卖得火爆，那么艺人也就转运了（不过还要看签约合同的内容如何）。

独立唱片公司（Indies）

有一个有趣的事实是，知晓独立唱片公司在世界上已然存在超过50年的人少之又少。从四十年代晚期到五十年代，这些独立唱片公司已经录制了许多节奏蓝调和乡村风格的音乐专辑（之后还录制了第一张摇滚乐唱片），而这改变了整个行业！可以大胆地说，没有独立唱片公司，就没有主流唱片公司。Elvis Presley（猫王）最早签约的就是孟菲斯的一家独立唱片公司（也就是Sun Records），而他可能是从地下音乐界走出来的第一个超级巨星。稍后，Sun Records将他的合约卖给了RCA（一家主流唱片公司），主流业界才开始注意到独立唱片公司独有的好处。

Chess Record签了Muddy Waters和Chuck Berry；Atlantic Records也是从签了Ray Charles、the Drifters和Ruth Brown之后，慢慢从独立唱片公司转型为主流唱片公司的；而从地下转向主流最出名的独立唱片公司，大概就是Berry Gordy, Jr. 名下的Motown了。大名鼎鼎的“摩城之声”培养了一大批知名艺人及组合，包括Marvin Gaye, the Four Tops, The Temptations, The Supremes, Mary Wells, Smokey Robinson and the Miracles, Stevie Wonder和the Jackson Five。八十年代晚期，Motown转型成为主流唱片公司之后，Gordy将它卖给了MCA；Vee-Jay Records名下曾经拥有The Four Seasons 和The Beatles,但他们最终也被主流唱片公司接手。尽管如此，通过上面几个案例，您也可以看到独立唱片公司是如何重塑音乐的面貌的。

加入独立唱片公司的好处，就在于可以享受更自由的艺术创作氛围。

这种自由的创作氛围经常在艺人改签到主流厂牌以后就被冲淡了，因为他们从此必须“随大流”。另一点是，因为和独立唱片公司签约的艺人数量较少，公司可以在每一个人身上投入更多的资金、精力与时间，以帮助他们成功；而这在主流唱片公司是不太可能的。大多数独立唱片公司会租用主流唱片公司的录音设备，而且有独立的宣发营销渠道，而不是像主流唱片公司一样有着复杂的管理系统，所以压在独立唱片公司头上的审核压力也很小。这样一来，在制作项目时节省下来的金钱和时间就都可以直接反投到厂牌建设上，而不是被上级层层克扣。

作为一个制作人，创立自己的唱片品牌也是一条可选的道路。不过众所周知，做任何一门生意，利润和风险都是同在的，而创建一个唱片品牌也无异于做其他任何生意。自成一派意味着与行业巨头在国内国际市场上竞争可能性为0，但您可以努努力成为本地大佬；至少有一件事是肯定的，那就是，如果将自己的独立唱片公司做好了，主流唱片公司肯定会上门找您合作。

成立自己的品牌，显而易见的好处就是您自己当老板，一切决策权都在您自己手里。打理业务要求您有刻苦敬业、百折不挠的精神，以及对这个行业有深刻敏锐的认识；不过您也同时有了和乐坛新人签约、发掘优秀苗子、探索新潮音乐的权利！

自主出版与宣传

当代人想要成功，最普遍的办法就是培养一批自己的受众群。现在，自主出版销售自己的音乐作品，已经是音乐人们走向成功的一条大道。一旦您获得了一定的营销成绩，主流唱片公司就会主动来找您。

由传统主流唱片公司主动来负责签约艺人，培养他们，替其录音、制作、宣传，为其营销的日子已经过去了。这些主流唱片公司不但是艺人的金主，给予他们训练、发展、制作音乐的资金，同时也负责其专辑的生产和分售，而花在这些环节的钱，都被称作“成本”；在公司收回这些成本甚至盈利以前，艺人是不可能拿到回报的，很多时候甚至连一分钱也拿不到！因此，乐手和艺人通过经纪人与公司洽谈唱片合同的时刻，常常被认为是生死攸关的时刻，这决定了音乐人签约后能够多大程度上拿回辛苦创作的回报。Hip-Hop/Rap界的艺人深知这一点，所以努力跳出了大公司和中间人（经纪人之类）的五指山，并勉力于自主筹资、制作、生产、宣传和销售他们的唱片。举例来说，MC Hammer当年据说只是开着卡车兜售自己的唱片，因为卖得如此之俏，以至于主流唱片公司最后不得不敲着他的家门来请他签合同；这样的艺人也不少。

这种自主生产宣传销售模式马上就在Hip-Hop界蔓延开来，而且成了解除困境的万灵丹，艺人们马上就可以扣头去尾拿到属于自己的那份报酬。这马上就吸引了Hip-Hop界以外的人士，包括Prince这样的艺人乃至整个摇滚乐界都开始关注起了这种新模式。自主生产宣传销售模式的发展和扩大，危及到了主流唱片公司的利益，也动摇了唱片界既有的市场框架。而市场上越来越实惠的DAW，使得普通门外汉也可以在家录制歌曲，音乐的制作成本已然越来越低，并且以一种全新的步调开始占领唱片行业——自立自主、打造“自己”这个品牌：一条走向商业成功和经济独立的新路。

家庭录音技术、MP3技术、社交媒体和音像传播平台的兴起，大大降低了传播难度，也启发了一批有生意头脑的人。从目前成功的几个案例来看，我们可以知道，好的作品和一贯性（Consistency）是成功的关键。一贯性指的是：您的音乐作品、您本人，以及您在网络上的公众形象，它们并非互不相关，而是共同构成了“您”这个品牌；而好的现场表演会进一步推广您的音乐。
歌曲好听是硬道理，但今时不同往日，一个独立艺人要红不仅要靠音乐，还要综合考虑他/她整个社交媒体上的包装和形象（即所谓的“人设”）。所以，独立艺人在社交网络（比如Friendster, Myspace, Facebook, Instagram, YouTube, SnapChat, Podcasts等）上的内容要优秀、曝光率要高。艺人们可以在这些网站上贴出漂亮的照片（甚至自拍）和创作的实时动态（比如音乐录影带的幕后故事、录音过程等），用这些手段给即将发表的作品宣传造势。

除此之外，发展黑胶唱片和数字下载市场的艺人数量也在增加。在旗下艺人纷纷创建自己的厂牌或与一些大的独立唱片公司合作过之后，主流唱片公司也在反思他们对待音乐人才的旧模式是否应该革新。像Katy Perry（当今流行乐界最知名的偶像歌手之一）的音乐生涯就是从注册Myspace（它是Facebook这类社交网站的前身）开始的。她说过：“（在社交网站上宣传自己的音乐）是提升音乐质量、获得粉丝最简单的方法。”（来自2008年刊载于《Myspace Spain》的一篇访谈）

社交媒体使独立艺人们有了在国际上发展听众基础的可能。一旦艺人有了坚实的群众基础，那些还在活跃的主流唱片公司就可能会找上门来，并在艺人背后再助推一把。例如Capitol和Atlantic等主流唱片公司就会主动投资那些已经有作品、有人设、有粉丝的独立艺人；因为以上每一个前提，都相当于帮公司省去了投资成本。作为回报，唱片公司会开出很优厚的待遇（比如一大笔报酬，又比如更自由的创作权），来吸引这些独立艺人与他们签约。

流媒体音乐公司

如上文所说，任何一种能够吸引到听众的发表途径，都可能为您带来更大的销量和曝光率。以下是一些流媒体网页：

• Spotify
• Pandora
• Google Play Music – All Access
• SONY Music Unlimited
• Mixcloud
• Radio
• iTunes Radio
• Deezer
• Xbox Music
• Soundcloud
• Grooveshark
• Slacker Radio
• Tune-in Radio
• Myspace Music
• Beats Music
• Amazon
• Roundup

其中，Soundcloud是原创音乐分享平台，podcast则是可以自行上传音乐节目的分享客户端，这两者都是免费的。在这些平台上，用户可以上传自己的原创作品、发现新的艺人、制作专属歌单。流媒体正是以这种方式，让全世界数以百万计的歌曲得以传到听众耳中。艺人在这些平台上上传作品是免费的，听众则可以关注他们的账号、发掘小众艺人、创建符合自己口味的分组和歌单。
以下是10款最好用的流媒体应用软件：

• Amazon
• Apple Music
• Google Play Music
• iHeart Radio
• Pandora
• Slacker Radio
• Sound Cloud
• Spotify
• Tidal
• Tune-in

不管您已经建立自己的厂牌，还是正在寻找签约公司，都有必要拥有一个自己的网络社交圈。与行业中其他的从业者保持友善的关系，可以帮助您发现并抓住机会，也能够帮助您获得更广的人脉。而且最重要的是，音乐人们正是靠同行之间交流信息，才能摸清行业的潮流走向。

您要关注一些音乐界的重要会议和研讨。在音乐行业，那些提供行业信息或维护网络支持系统的实体会获得很多公司和组织的扶持，而这些企业和组织每年都会为之举办研讨会和颁奖宴会。请您务必在下面这张列表里找到在您附近的组织，并留心关注他们最近是否开展活动：

• NARAS – 国家录音艺术与科学学会（the National Association of Recording Arts and Sciences）。他们负责举办格莱美奖的颁奖；
  
• AES –音频工程学会（ the Audio Engineering Society）；
  
• NAB – 广播工作者协会（the National Association of Broadcasters）；
  
• NAMM – 全国乐商协会（National Association of Music Merchants）；
  
• 独立电影社团；
  
• 各大电影节；
  
• 音乐植入公司（比如 Taxi）
  
• Music Publishers Directory (SongwriterUniverse)
  
• APG, ATLAS Music
  
• ASCAP
  
• BMI
  
• SESAC
  
• Sound Exchange
  
• SOCAN PRS for Music.

数字音乐分销公司

当下也有很多自主销售频道，您可以创建一个属于您自己的。当然，不投入广告费就很容易在这座大熔炉里销声匿迹；但成功的例子也不少，他们在这些平台上获得了听众的关注和支持，最后被主流唱片公司签走。
以下是此类平台的名单：

• iTunes
• CD Baby
• Orchard Enterprises – 也是本书作者使用的平台，歌曲通过该平台被分销到各个数字下载或在线试听网站；
• Landr
• Tunecor
• Ditto Music
• Blubrry, Studio 21 Podcast, Café Serve Coffee, Expressos – 它们属于播客型分销公司。

Blubrry是一家播客托管公司，它提供播客托管业务、提供客户播客频道的统计数据，还可以通过该公司免费提供的WordPress博客系统给您的音乐打广告，该系统支持视频直播；类似的公司还有Studio 21 Podcast, Café Serve Coffee, Espressos等。这些向博主提供录制设备和录制环境的公司也被叫做视频播客（Vodcast）公司，播主们通过United Podcast Network（UPN）这样的播客平台，向世界各地的观众实时放送自己的动态；UPN则负责保证直播频道的质量，并将播客内容分销出去。

播客文化方兴未艾，人们甚至已经设立了世界播客日，来庆祝这一文化的兴起。

第三部分 虚拟调音台的概念

第3章：音乐制作中的可视化工具

在本书中，我们会将会用可视化图形的方式，介绍在为不同风格的编曲时，所运用到的乐理知识。相信这种表现方式更为简洁明了，能帮助您快速了解音乐制作中一些重要的观念。另外，我们也会通过这样的方式，从专业制作人的角度向您解释混音时应当考虑的环节。作为制作人，您需要知晓该歌曲使用哪些音符适合，且其恰当的编排方式，能完美融入到整个混音工程中。因此，构成优秀的混音作品所需考虑到的各种细节皆为您必须了解的内容，我们在此强烈建议您阅读《混音的艺术》（The Art of Mixing）一书，此书会详细讲解上述问题。在本章中，我们仅简要地介绍可视化图形技术（Visual Framework）的结构。

音频基础特性的可视化图形映射——监听音箱间的声场“舞台”空间

对于声音我们最为直接的感受有两种：一种我们感受到或听到从监听音箱中发生的物理声音波形，另外一种即为在监听音箱间所形成的声场中，感受各个声音（乐器或人声）的发声方位、范围及特性。像这样用于定义声音方位、范围及特性所呈现的图像称之为“声场成像图”（Imaging）。其可视化图形呈现的即为这种成像图而非真实的声音波形。录音工程师和制作人可以在该成像空间中创造出范围极大的音乐情绪动态（Dynamics）。这里的音乐情绪动态（Dynamics）特指不论从生理、心理及情感上能让听众有不同感受的因素。

声像、音量和频率的可视化图形映射

作为可视化图形工具坐标轴里的X, Y和Z轴，是声音的三个基本参数（Panning 声像 Frequency频率 Volume 音量）（如示意图1所示）。

声像表示左右的X轴

声像（Panning）其定义为监听音箱之间声音左右方位 。它自然而然地占据了从左往右的横向X轴（如示意图2所示）。

音量表示远近的Y轴

离我们距离近的声音听起来响，反之则轻；因此，在混音工程中的某个声音音量（Volume）大小可以用表示声音远近的Y轴来表示（如示意图3所示）。

在混音时，您也许会注意到放在前方（音量相对大且突出）的位置十分恰当（诸如主人声或独奏乐器），而其他的乐器，例如弦乐器或背景和声则相对靠后（音量相相对小且成片状其衬托作用）。所以，想要突出某个声音的话，第一反应即为推大对应混音台上轨道的音量推子，反之，拉低相对靠后的音量推子，使其作为背景衬托。

虽然音量是决定声音远近的第一要素，但却不是唯一的。您可以使用调整棚里其他效果器实现对声音远近的控制。例如，在均衡效果器中增益某一频段，通常都会让声音变得更为突出，因为整体音量会相对变大；增益某几个频率点可以增强声音的“临场存在感”（Presence），使其变得更为“贴脸”。同理您也可以使用压缩/限制器（Compressor/Limiter）去调整，它们的作用可以减少声音的动态，让声音听上去更为“稳定”，可突出更多细节，进而可以让您的思绪更为集中，声音的临场感会更强烈。

对于小于三十毫秒的延迟，我们称之为丰化延迟（Fattening），也能使某种声音听起来更有临场存在感（有关丰化延迟，我们稍后会在本章的<立体声扩展的基本功能-展开角度>一节中详细阐述）。另外，这种延迟会比其他处理方式更能产生谐波结构。例如：锯齿波声音穿透性在混音工程的穿透性会比长笛声强的多。还有诸如合唱（Chorus）、镶边（Flanging），以及长延迟效果这类与时间或时值相关的效果器，会对应减少声音的临场存在感，因为经过这么处理后，随着几声延迟声，声音就会被湮没。

频率表示高低的Z轴

在声场成像图的世界中，对于频率的高低的呈现有个很有趣的假象，即为频率越高其呈现的位置也会越高，反之则越低。当我们坐在监听音箱之间，聆听诸如铃声（Bell）、镲片声（Cymbal）、弦乐的高音声部等总会感觉比贝斯（Bass Guitar）、底鼓（Kick drums）、808等以低频为主的声音的位置“高”很多。您可以自行尝试一下。坐在监听音箱之间，播放一首歌然后注意听低频与高频部分；另外强烈建议在车里开着车载音箱听，一定要开立体声哦。

造成这一假象的原因有很多，比如富含低频的声音会让您的脚感受到地板在震动，而高频声则不会；无论用短笛（Piccolo）吹多低的低音，都不会震到地板。另外，在专业录音棚中，也需要对脚的低频震感量进行校正。

另外为什么会感觉高频的“位置”会高的原因就是，人的身体的构造就是大共鸣腔（胸腔）都小共鸣腔（头部）的下方。声乐老师也会教导您，通过使用这些共鸣腔获得不同频段的声音。例如您想要放出更低沉的声音，您需要更大的腹腔共鸣。

再从一个晦涩难懂的玄学角度来说，人的身体里有七个能量中心，称作“脉轮” （Chakras），这些脉轮从海底轮（脊尾）到顶轮（头顶）往上成直线分布，刚好可对不同的频率做对应的共振响应。

这些脉轮中心位置可能很大程度上影响了您对频率的声场成像的感知。例如，当听到富含高频的声音时，与之共振响应的是高位的脉轮，因此您也会为高频音设想更高的声场成像位置；反之，听到富含低频的声音，与之共振的可能是处于下方的脉轮，那么您对该声的声场成像位置也就相对较低。

当然，就算撇开这些原因不说，就出现在监听音箱间的位置来说，高频声音确实会比低频声音更高，这也是它们得名的原因。那么，我们也就按照假象顺势可视化了（如示意图5所示）。

对于改变声音的频率“高低”位置，我们可以通过增加或降低谐波或使用激励器，亦或让乐手升高/降低一个八度及尝试使用不同的和弦转位等改变音高的措施来实现。不过，这样很有可能会导致一个问题，即为在某个特定频段内，某个声音会与另外一个重叠或被埋没的情况。所以，作为制作人，一个十分重要的任务就是需要将各个声音合理地分布在不同的频段中，尽量别出现重叠或埋没的情况。这也是让混音变得清晰明了的根基。

当然均衡器（Equalizer，EQ）是可以调整频率的音量大小，所以您可以使用它将声音的“高低”位置稍稍挪动一下，当然前提是别让声音失真。不过还是要注意的是，如上文所述，用短笛吹奏再低的低音也不可能震动地板，反之用贝斯弹奏再高的高音不会有“高位” 共振响应。所以，脱离一件乐器的本质去追求不切实际的音高，是行不通的。

定义3D立体声声场成像的边界范围

我们可以思考一下：一个声音的声场成像图应该不会超过其左右监听音箱的边界对么？答案是：对的！除非房间声场有问题（有些时候，那些未经声装及声装很差的房间会让人感觉声音会从一个很奇怪的地方发出）。
而且我们需要牢记的是，我们讨论的不是现实世界，而且这个虚拟的声场成像世界。所以所有的声音成像确切位置，都是根据自己

想象绘制出来的，每个人对边界的定位与理解皆有不同。有些觉得他们不会超过监听音箱所设定的声场边界。有些想象力丰富的人会则觉得可以超出监听音箱声场边界的一至二个英尺的范围。不过多数人会觉得其范围是超出左右监听音箱几英寸的位置范围（具体还需要看音箱的尺寸）。您可以根据自己的情况判断，方法是播放一个声音（中置的），然后将声像调到最左及最右，分别试听超出监听音箱的具体范围。

以下是声音声场成像左右边界的示意图7。

搞定左右后，我们看下声音的前后（音量）边界。那当音量减少后，声音会离我们多远，最远的距离是多少呢？想必很多人会想到可能是离监听音箱后方数英寸～二英尺的区间位置内，具体数值取决于音箱的尺寸。您可以自行测试不同尺寸音箱其所对应的“前后”（音量）边界分别位置，一般来说，会在音箱后方的不远处。

如前文所述，当我们提高某个声音音量的时候，它会在整个混音工程里变得更为靠近（突出），那可以有多近呢？首先，不论声音的音量有多大，它听起来不可能从我们的后方过来。实际上，声音最多几乎只能到达音箱前方很短的范围内，大多数人对这个范围的理解是三英寸～一英尺区间内。同理，具体的数值取决于音箱的大小。例如，我们在手提式便携录放机上播放超响的声音，听上去也就是在音箱前方两英寸的位置；而巨型扩声功放上随便播放一下，就能达到六到十英尺之远。

不论您个人如何理解声音声场成像的前后边界，如果只把音量大小作为主要的变量，判断一个声音在声场成像图中的前后位置还是很容易的。下图是音量的前后边界声场成像示意图（前边界由于视野受限的缘故无法画出）。

补充要点：声音好像还能“更远”

在上述感受声音“前后”的时候，可能还有一个有关心理声学方面的现象。可能有些声音会让人听着会比原来的设定范围“更远”。例如在监听音箱间播放在远处拾取的雷声音效，会给人感觉这个声音会有数英里之远。再如从那种有着大混响的角斗场胡或会产生回声的大峡谷发出来的声音也会十分“遥远”。所以，想要做出距离感超强的效果的话，这个也是一个不错的方法！

毕竟，我们的立体声声场成像图是三维的。所以，在最后我们需要了解一下“上下”位置的边界。如上文所述，在两个监听音箱之间，富含高频的声音总会比低频的位置高。可以问题在于，到底有多高？我们能感受到的频率最高的声音，其成像位置应该在哪儿？首先不论怎么说，这个声音肯定不会从天花板那儿传过来的，而是和之前的一样，也在监听音箱附近，成像的位置应该在音箱顶端附近。有些人会认为最高不会超过音箱本身，亦或超过音箱顶部数英寸的地方，还是那句话，具体数值需要根据音箱的尺寸与每个人对声场成像的理解来定义。

好说完顶部，那底部边界在哪里呢？一般来说富含低频的声音会通过地板的震动传到我们的脚部，因此地板就是底部边界。示意图9展示的就是声音声场成像空间的“上下”边界。

所以，不论您将一个声音的声像打到多左的位置，它都不可能会从左监听音箱的左侧很远的地方发出，右边也同理。而且它只能在监听音箱附近的前后位置发声（当然后方能更远），最高也超不过音箱顶部很远的位置，但最低能从地板传来。
综上所述，声音的声场成像空间及其坐标系如示意图10所示：

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