作者：Daniel Keller

编译：MusikM

当谈到混音的艺术时，我倾向于用一些担忧的心情来开启这个话题。毕竟，跟我写过的各种话题来比的话，这个话题具有更多的主观性（一个人对一个非常棒的声音的混音可能是另一个人的噩梦），知道对于一种音乐类型有用但是对于另一种类型就完全不可用。

但是除了所有这些变量，至少有一些通用的原理，小贴士和技巧可以用于大多数的混音项目。所以这里的想法不是给出一个对于双轨混音的分步细致教程，而是希望我们能够涵盖至少几个对每个人都有用的概念。

概念

从最基础的开始，立体声混音意味着为人类大脑和生理上进行混音。『真正的』立体声混音包括创建一个可以复制我们两只耳朵在现实世界中所听到的声音图像（还有我们大脑所理解到的）。例如，大脑通过测量到达一个耳朵的声音与另一个耳朵直接的世界和音调差异来定位声音的位置。在一个完美的世界中，真正的立体声混音将创造一个尽可能接近现场表演的声音。
但在现实世界中，创造立体声混音的过程跟自然差太远了，部分原因是由于出于实际考虑，在现场演出中，场地本身的声学效果在混合声源和掩盖任何特定乐器的定位方面起着显著的作用。在录音室里，轨道往往是在相对干的环境中单独记录出来的，让我们能够借助技术控制它们让人能感知到的氛围。

在实际的实践中，现代立体声混音与复制真实世界的环境相比，不如在录音时找到各个不同乐器之间良好的声音平衡性更有效。保守的说，大多数现代录音只能创建出一个类似于一个乐队现场演出的声音，来呈现给听者。

是什么成就了一个好的混音

像之前所讲的，良好的声音组合的定义在很大程度上取决于听者的耳朵。但大多数工程师都会对于以下几点意见一致，一个好的组合应该包含几个共同的特点：

清晰度：混音中的每个声音都应该清楚和清晰，没有浑浊或模糊的声音和立体声图像，没有过多的噪音或其他异常的声音。

分离度：每个乐器和部分应该容易分辨出来。当然，『声音之墙』（wall of sound）是没有什么问题的，如果这是你所追求的效果的话。但是即使在那些又大又华丽的吉他中，一个好的混音也会将它们变得清脆和清晰，足以让听者分辨出每个独立的声音。

平衡：混音应该提供良好的频率平衡。混音低音太重或是太尖锐刺耳听起来都会让人不愉快并且非常折磨人。混音还应该平衡左右声道。

空间感：跟平衡一样，这点适用于很多方面。音乐本身就应该有空间感，比如音符之间的呼吸和律动发展。当然，这也会根据音乐的类型而变化。每个乐器都应该有一个它自己自然的氛围感，而这些不同乐器的氛围感应该相互融合起来。

不用说，这些特性本身并不是一个完美的混音，但缺乏任何一个混音，很可能最终会出现至少一点点小问题。

从源头开始

不用说大家都知道，一个好的混音的开始源于一个好的录音。努力做到你能做到的最干净的轨道，不要有过多的噪音或失真。

最重要的是，不要忘记在录音时仔细聆听。注意你听不仅仅只是为了听出错误，而是不经意间错过的小噪音和其他异常的声音。回去重录一部分或者在混音中修正它，要比第一次录制它更难。

从一开始就考虑歌曲和编排也是一个好主意。只加入所需要的编排，而不是杂乱的重复叠加。尽量使每个所需要的部分保持最低数量，很少有东西比通过几十个声音或 solo 去编写一个单轨更让人精神上受折磨。

事实上，追踪你的混音计划是可能是最被忽视的问题。特别是随着今天的 DAW 工程能提供近乎无限的轨道，它太容易通过『在混音中修复』（fix it in the mix）就被另一个录制的 take 取代了。到最后缩混的时候，绝对会让你后悔到死。

图一：混音音量过高会影响你的声音感知，如图上这些响度曲线所示

自己准备好

正如任何艺术竭尽全力的努力，每个人都有自己的一套小点子和技巧，对我有用的技巧对你并不一定有用。但是有几点是最基本的：一是一直要用干净的耳朵去尝试和混音，在你已经用耳朵工作八小时了以后再开始混音，还不如第二天再继续开始；二是尽量保持音量在较低的水平（太高的音量将不可避免的开始影响你的听觉了，更多有关信息请搜索『Fletcher-Munson Curve』）。

另外，当你混音的时候记得要经常改变一下你的视角。当你坐在扬声器之间的最佳位置时，你的混音听起来可能会很棒，但是真正的考验实在大厅里，通过小音箱或者汽车立体声音箱听出来的效果。

我们都听说过在视觉方面混音的观点，甚至还有些课程强调了这个概念，创造不同的彩色『orbs』来说明被混音那部分的位置。这是一个非常有趣的想法，但是我个人更喜欢抛开不管。事实上我更喜欢的方法就是闭上眼睛去听，我发现抛开视觉的感受往往我会更加关注我正在听到的内容。

有意思的单声道

在建立你的混音时，定期用单声道来检查你的混音时很重要的。主要是为了避免像是吉他和键盘的立体声源的相位问题。

但是用单声道检查混音也有其他原因。听单声道倾向于『扁平化』（flatten out）混音，给你一个完全不同的视角来审查在轨道之间有多少自己的分离感。基本上，如果它听起来很干净，在单声道里定位非常明确，那它在立体声中也会听起来非常棒，但是反过来就不一定了。

也就是说，让我们来区分一下在单声道检查你的立体声混音，和在单声道搭建混音的不同。虽然我谈过的一些工程师对这种技术发誓保证，我自己的（当然比较主观）关电视，立体声混音需要一个完全不同的方法，就跟你要混一个环绕文件跟立体声又不一样，是一个道理。

从基础开始——鼓和贝斯

在大多数情况下，低频的声音往往设置在固定的中央点（dead center）效果最好。因为它们缺乏方向性，并且因为它们包含了一般混音里的大部分能量，所以最好将这些声音保持放在混音的中间。

通常，在摇滚或流行音乐混音中，鼓和贝斯是大多数人注意到的第一元素。虽然没有一些硬性规定和原则，但是大多数混音都是从观众的角度来设置鼓的立体声图像开始。这意味着，右手鼓手的低鼓（kick）和小军鼓（snare）是在中心位置，踩镲（hi-hat）会被移动到它们右边一点点，overhead 会被设置在头部位置的左右边。

根据鼓手在他或她的套鼓里有多少个 tom 和其他的东西，通常最好在立体声扩展中为每个东西设置一个自然的摆放位置。比如说如果鼓手有三个 tom，我通常把中间那个放在固定的中央点（dead center），另外两个大约一个在 9–10 点钟的方向，另一个在 2–3 点的方向，这取决于我的声场想要多宽。

当然，所有这些问题都假设你已经在标准的录音技术下完成，在套鼓的每个鼓上别好麦克风，一对 overhead，可能再加一些远点儿的麦克风收房间环境音等等。在大多数情况下，你会发现在 overhead 和 房间环境麦上混的越多，你的鼓就会越少的被实际地『定位』住。

虽然说是这么说，但是我曾经做过的最有趣的一个工程在整套鼓上只用了四个麦克风，一对立体声麦放在离套鼓大约一米左右远的地方，一对环境麦放在离房间中央大约 4.5 米的地方。制作人是以为熟知老式录音室的老手，我们花了几个小时把麦克风移了 12 厘米，然后在那里转了四分之一的方向。

鼓出来的混音肯定会有一些自然立体声的环境音，其实在自然听感上更接近单声道的感觉，虽然你可能会觉得出来的东西缺乏深度。但是事实上较少的声像和更少的环境声就会有更大更多离你更近的鼓声。

图二：在立体声中创建一个自然的环境来让鼓的每个部分更好地分离开

立体声吉他的几点小贴士

用立体声来混吉他是一个在混音中增加深度的好方法，特别是在一个非常忙的混音中。分离开吉他可以为贝斯和其他中间声像的部分打开空间。你可以尝试拖出一些较低的中间范围，以消除中间部分的浑浊效果，特别是在大型乐器的声音上。加一些高频也可以，但是往往会加重手指的噪音部分。

试试用一对定向麦克风录吉他看看，一个指向吉他下方的声孔，另一个在吉他颈部的上端。设置在 9 点和 3 点方位应给可以给你一个非常棒的声像立体声图，或者试试看用 Mid-Side 的 micing 技术。

叠加一层吉他是另一个很好的方法来增加深度，将原始部分移到一侧，添加延迟（大概从在 5–15 毫秒之间开始），移动延迟反送到相反的一侧。稍稍设置一下不同的混响和/或 EQ 会让它们更厚实。

手动双重录制吉他（就是同一部分录制两次）会有更有趣的结果。尝试使用两个不同的吉他录制相同的部分，如果没有条件的话，可以尝试用不同的调谐或变调夹来录制相同的部分。比如，如果曲目是在 G 调，第二次录的时候用变调夹夹在第五品上来弹出 D 调。或者把吉他整个调成 A 调。

另一种将吉他重复录制在单声道上的方法是，通过设置吉他放大器和放大器的麦克风，在房间里两个不同的点放上不同的麦克风让声音回送回去。或者可以让两种不同的放大器使用不同的设置来录制。

图三：一种录制立体声吉他的设置建议

融合主人声和背景人声

虽然主人声通常是放在前面和中间的，但是你也可以尝试各种不同的想法来混人声。通过立体声分离它们是拓宽声场的一个好办法，但是尽量被太宽，9 点钟和 3 点钟对于大多数混音来说已经足够了。大多数的背景人声，添加效果是一个好帮手，一些 hall 和一些合唱效果可以让它们与其他部分更好地融合起来，并且在混音中听起来也会更棒。

对背景人声左右设置声像并且将主人声留在中心是一种常用的技术，并且在大多数情况下适用。但是也可以尝试一点儿不同的做法，试试把主人声往一边滑动一点点，然后背景人声往另一边吧。

更多可以尝试的事情

不要害怕，如果你将一些元素放到一侧或者另一边，会跟你的混音不对应。特别是对于弦乐 patch 和其他的重的合唱 pad，把他们调的非常宽可以让它们主导混音，即使它们并不是那么响。例如，在 9 点和 3 点方向试试更多的狭窄的感觉像是在 1 点和 3 点方向。当然，你可能想在另一边不长一点儿来保持平衡，但是这是一个非常好的方法来保持不要有太多的游离和缺乏焦点之类的问题。

事实上这是一个确保一些元素在混音中能保持在单声道的好方法。虽然这些丰富的具有合唱效果的 pad 和混响可能听起来不错，可以用堆积轨道来把它们埋进大量的混音中。你始终还是要保持一些部分是单声道，给它们一些定位感。使用单声道混响可以在不破坏它们的方向性下，给它们增添氛围感。

一个非常有用的小技巧，就是使用延迟混响来制造更自然的声音环境。将原轨道移动到在大约 9 点钟或 10 点钟的一侧，添加一个短暂的延迟（小于 10 毫秒），然后移动到相反的一侧，然后只添加一点点混响到延迟的信号。这样结果出来会是一个更自然的声音，而不仅仅只是使用声像控制。这就是为什么，我们的耳朵和大脑可以使用很多听觉线索来感知到声源，包括时间，音量甚至每个耳朵之间音调的差异，而一个声像载体只能解决音量的差异。延迟一边的声音然后增加一点儿反射来创造一个更自然的氛围感。尝试剔除一点点你的脑袋中出现的高频的延迟声音以及复制的效果，因为它掩盖了一些声音。

用于拓宽轨道声场的另一个小技巧，是将把它移动到另一边然后添加立体声混响，这样出来的结果将会是一个自然的，但是一边带有一点点额外『喷溅』（splash）的氛围感，或者也可以试试向立体声轨道的一侧添加一个非常温和的单声道合唱效果。扬声器之间的移动可以增加非常有趣的宽度和深度，尤其是在弦乐和 pad 上效果显著。

当然，还有更多

我一直坚持使用一些非常常规的概念，混音是一个随随便便就能写几百页的话题。但是，让我来给你列出两个重点。

第一——它最终的目的是围绕作品。无论你加入了多少特别牛逼的技巧和技术，如果不适用于这个作品，它就没用。打开作品仔细听，只给它它需要的东西，其他都丢掉。

其次——再说一次，这也是我的第二个重点，我几乎在每一段都会提示的一个小贴士，你的耳朵是你最重要的工具。学习去听真正的音乐，无论是演奏，录音，混音或者母带，都是学习音乐最重要的一课。不要害怕加入进去，多去尝试尝试新东西吧。一如既往，让你的耳朵带领你进入音乐的世界吧。

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